Sem horas e sem dores!

Terminamos nossa oficina de vídeo e espero que tenham aproveitado bem o tempo, aprendendo e se divertindo. Mas agora é o momento de enviar o último vídeo.

Prove - resumo das regras

• Gravar vídeo de no máximo cinco minutos
• Não será possível a substituição de estudantes em caso de ausência de algum componente.
• Os vídeos estudantis podem ser inscritos com até cinco (05) estudantes figurando como autor, diretor, produtor, roteirista e etc.
• Os vídeos podem ser interpretados por estudantes que não os tenham criado.
• As criações fílmicas devem ser originais e em língua nacional e a trilha sonora deverá ser, necessariamente, com as canções do Face ou de domínio público, encontradas no site www.dominiopublico.gov.br ou similares para evitar, problemas relativos à autoria, sobretudo quando da transmissão e divulgação dos mesmos.

Critérios de avaliação

Originalidade
Criatividade
Roteiro3

Conheceu mais as regras? Já fez o vídeo? Agora é só enviar:

Eu vou enviar o meu vídeo.

Michael Jackson revolucionou o mundo da música e da dança, mas não foi só isso: o audiovisual ganhou muito com isso também, pois os seus clips mudaram a indústria musical. O cara foi um mito!!!

Não precisa ser um M. Jackson e nem uma Madonna neste trabalho, seja você ou quem você quiser. Escolha aquele clip que você e seus amigos gostam de ouvir, assistam e observem os detalhes. O próximo passo é discutir qual será a releitura de vocês sobre o clip para, somente então, pensar nos detalhes técnicos. Vocês podem usar fotografias, um clip somente de vídeos próprios de vocês, mesclar entre cenas do clip original e seus vídeos ou fotografias. Vamos lá, não há limite para as opções e para a criatividade.

Gravaram, editaram e finalizaram o arquivo? Agora é só clicar aqui para abrir o formulário e entregar o seu vídeo. Estou ansioso para assistir essa produção.

Desta vez a atividade foi desafiadora: criar a sinopse de uma história a partir de estímulos arquetípicos de cartas de Tarot.

As cartas de Tarot carregam significados arquetípicos

Carl Gustav Jung

Para entendermos melhor o que são arquétipos veja abaixo uma das definições encontradas pela internet e alguns links para entender melhor sobre o assunto.

O conceito de arquétipos, do jeito que conhecemos hoje, surgiu em 1919 com o suíço Carl Gustav Jung. Segundo ele, os arquétipos são conjuntos de “imagens primordiais” originadas de uma repetição progressiva de uma mesma experiência durante muitas gerações, armazenadas no inconsciente coletivo.

Os arquétipos da Morte, do Herói e do Fora de Lei são exemplos de algumas figuras que todos nós temos no imaginário desde criança. Independente de onde fomos criados, do país que vivemos e das nossas religiões e crenças, essas imagens são muito parecidas para todos.

É por isso que os arquétipos estão presentes nos mitos, lendas e contos de fadas. São eles que dão o verdadeiro significado para as estórias que passamos de geração em geração. Afinal de contas, as pessoas criam estas estórias para externar o que existe no inconsciente. Hoje os arquétipos podem ser encontrados nos filmes, na publicidade e em quase tudo que está ao nosso redor.

Links sobre o assunto:
SBCOACHING - Arquétipo: o que é, tipos e como se aplicam
O Arquétipo - O que é arquétipo?
Gestão Educacional - Arquétipo – O que é? Como surgiu? Tipos e Exemplos


Sem mais delongas, agora é o momento de utilizar o formulário abaixo para entregar a atividade de sua equipe.

A fotografia não é apenas uma forma de registrar um momento, um lugar, uma pessoa ou uma situação. Ela vai muito mais além! Ela pode revelar aspectos do nosso cotidiano antes nunca percebido por nós, quando, através de um olhar artístico e fotográfico, passar a observar o nosso cotidiano.

Essa atividade faz o aluno descobrir possibilidades estéticas antes não percebida no seu cotidiano, exercita o olhar fotográfico e a criatividade, além de estimular a tomada de decisões no trabalho em equipe.

Resumo da atividade:

1. Dividir a turma em equipes de 5 alunos
2. Utilizando celulares cada equipe deverá tirar, no mínimo, 20 fotografias de objetos, plantas e qualquer outra coisa que não sejam pessoas. Essa atividade deverá estar limitada ao ambiente escolar, não permitindo a saída da escola.
3. Após o retorno, os alunos deverão ser orientados a selecionar apenas 10 fotografias para produzir um vídeo curto, utilizando um trecho de uma outra música selecionada.
4. Entregar o vídeo produzido.

Agora é o momento de entregar o vídeo.

Entrega das atividades

Pop Arte - O dia-a-dia na arte

A Pop Art é um movimento de arte que começou no início dos anos 1950, mais exatamente em Londres, Inglaterra.

Embora houvesse um trabalho de arte que lembrava a Pop Art anteriormente, o movimento é considerado como tendo surgido de uma comunidade colaborativa de artistas em Londres chamada de Grupo Independente. Alguns dos artistas mais importantes que fundaram o movimento Pop Art antigo são Eduardo Paolozzi e Richard Hamilton, que foram membros do Grupo Independente de 1952 até o seu encerramento em 1955. Esses primeiros artistas organizaram exposições na Grã-Bretanha que exibiram alguns verdadeiros exemplos de obras Pop Art moderna. Mais tarde o seu trabalho influenciou fortemente a direção do movimento, eventualmente produzindo um movimento Pop Art similar nos Estados Unidos mais tarde nos anos 60.

Andy Warhol - Marilyn Monroe Original (1967)

Logo que o movimento se espalhou para os Estados Unidos, artistas como Andy Warhol e Roy Lichtenstein contribuiriam para este movimento de "found art", produzindo trabalhos que eram muitas vezes derivados de obras existentes, ou que eram representações pintadas de fotografias retratadas em meios de comunicação de massa. Podemos dizer que Andy Warhol é o artista ícone do movimento, em seu trabalho ele produziu telas de celebridades e criou paródias de muitos anúncios comuns de TV. O estilo americano de Pop Art tendia a ter um efeito dramático, enquanto o estilo britânico era mais engraçado e sutil, porque os americanos tendiam a ser bombardeados pelos meios de comunicação de massa e pelo comercialismo de forma muito mais enfática, e assim a arte derivada dessa mídia necessitava de muito mais exagero para ter um efeito expressivo.

Uma das características importantes para o movimento na história da arte foi a mudança no que os artistas consideraram ser material de fonte importante. Enquanto os artistas anteriores tendiam a se inspirar no sublime - da natureza e da religião -, os da Pop Art inspiravam-se nos aspectos mundanos da vida cotidiana, na TV, no cinema e nos comerciais repetitivos. Foi um movimento que procurou conectar a arte com as massas e envolveu o uso de imagens que as pessoas comuns pudessem reconhecer e relacionar. As latas de sopa de Warhol são um exemplo bastante interessante desse foco no mundano e no cotidiano, e de fato o próprio Warhol alegou que ele as pintou porque a sopa de Campbell é o que ele normalmente teria para o almoço.

Outra características importante que distingue a arte pop de outros movimentos artísticos é o foco em que se deriva a obra. A maioria das obras de Pop Art, em vez de derivar da interpretação do artista de algum aspecto da realidade, deriva da interpretação artística da arte que já existe. Muitas das pinturas de Warhol, por exemplo, eram réplicas quase exatas de anúncios existentes, e algumas eram impressões em Silk Screen de fotografias que haviam sido tiradas por outros. O trabalho de Roy Lichtenstein consistia quase inteiramente em cópias ligeiramente alteradas da arte original de outros, de seus painéis de revistas em quadrinhos a suas reinterpretações de obras famosas de arte.

O movimento Pop Art continua popular até nos tempos modernos, e as telas de Andy Warhol são algumas das mais valiosas do mundo.

Trabalhos principais

Richard Hamilton - O que é que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? (1956)

Richard Hamilton - O que é que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? (1956)

Criada em 1956, esta colagem é considerada o catalisador da proliferação do Pop Art no Reino Unido. O artista britânico Richard Hamilton fez o trabalho para This is Tomorrow,  uma exposição especial na Whitechapel Art Gallery, em Londres, que apresentou as interpretações da modernidade feitas pelos  artistas contemporâneos e suas previsões para o futuro.

O que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? incorpora vários temas relacionados à comunicação preventivamente debatidos por Hamilton. Estes incluem: “Homem, Mulher, Comida, História, Jornais, Cinema, Aparelhos Domésticos, Carros, Espaço, Quadrinhos, TV, Telefone, Informação.” Usando recortes de revistas americanas, ele criou uma cena baseada nesses motivos, literalmente criando um obra de arte de peças da cultura popular e comentando “as várias influências que estavam começando a moldar a Grã-Bretanha do pós-guerra”.

Andy Warhol, 32 Sopas (1962)

Em 1962, o artista norte-americano Andy Warhol explorou pela primeira vez o seu famoso tema “lata de sopa”. 32 Soup Cans é composto por 32 telas pintadas à mão e estampadas à mão, cada uma representando um sabor diferente da Sopa Campbell's. Warhol, um artista pop pioneiro, escolheu este assunto porque captou o foco do Pop Art na produção em massa e seu próprio interesse artístico na repetição. “Eu costumava beber. Eu costumava fazer o mesmo almoço todos os dias, por 20 anos, eu acho, a mesma coisa várias vezes.”

Andy Warhol - Campbell's Soup Cans (1962)

Logo depois de pintar essa coleção de telas, Warhol continuou experimentando o tema da lata de sopa com a ideia de múltiplos. No entanto, com esses trabalhos posteriores, ele mudou seu processo de pintura para serigrafia, um método de impressão usado apropriadamente na produção comercial de anúncios publicitários.

Roy Lichtenstein, Whaam! (1963)

Conhecido por suas pinturas coloridas inspiradas em histórias em quadrinhos, o artista Roy Lichtenstein deu uma reviravolta animada e energética na Pop Art. Whaam!, uma de suas composições mais conhecidas, adapta uma cena de All American Men of War , uma popular série publicada pela DC Comics entre 1956 e 1966.

Painel original de Irv Novick para 'All-American Men of War' da DC Comics, nº 89 (fevereiro de 1962)

Uma reminiscência de uma revista em quadrinhos aberta,  Whaam! é renderizado em 2 painéis. No lado esquerdo do díptico, uma aeronave dispara em outro avião, que - junto com a exclamação "WHAAM!" - ocupa todo o lado direito da peça. Enquanto a composição é muito semelhante à representação original, Lichtenstein mudou vários detalhes: ele alterou os designs das aeronaves, omitiu uma bolha de fala e mudou o esquema de cores.

Essas pequenas mudanças falam do objetivo maior de Lichtenstein, que era personalizar essas obras de arte produzidas em massa. “Eu não desenho uma imagem para reproduzi-la - eu faço para recompor”, explicou ele. "Eu faço todo o caminho desde o meu desenho quase como o original até o final.".

Robert Raucshenberg, Retroactive II (1964)

Famoso por sua abordagem única de materiais, Robert Rauschenberg contribuiu para o movimento Pop Art com suas combinações e colagens. Uma peça particularmente inspiradora da cultura pop é Retroactive II , uma pintura serigráfica criada em 1964.

Robert Raucshenberg, Retroactive II (1964)

Reminiscente de uma colagem, o  Retroactive II  apresenta imagens importantes do período, incluindo um retrato de John F. Kennedy e um astronauta da NASA. Além da atual iconografia inspirada em eventos, a composição ocupada da peça, a inspiração fotográfica e a paleta de cores artificiais capturam perfeitamente a estética da Pop Art.

David Hockney, A bigger splash (1967)

Na segunda metade da década de 1960, o artista britânico David Hockney revisitou um tema único em suas pinturas populares inspiradas na cultura: a piscina. Inspirado por uma viagem à Califórnia, ele gostava das linhas limpas, da estética moderna e da popularidade suburbana dos equipamentos.

David Hockney, A Bigger Splash (1967)

Na primavera de 1967, ele completou sua pintura de piscina mais conhecida: A Bigger Splash. Apresentando apenas uma casa modernista, uma cadeira dobrável e 2 palmeiras ao fundo, o ponto focal da peça é a piscina. Uma prancha de mergulho simplista paira acima da superfície elegante da água, que é obstruída por um respingo. Este assunto, juntamente com a paleta de cores e estética gráfica da composição, evoca os interesses explorados pelo Hockey e seus colegas artistas pop durante o período.

Claes Oldenburg e Coosje Van Bruggen, Spoonbridge e Cherry (1985-1988)

Os artistas Art Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen trabalharam em conjunto e foram celebrados por suas enormes esculturas ao ar livre. Entre seus trabalhos mais famosos está  Spoonbridge e Cherry, uma escultura com uma cereja vermelha brilhante sobre uma colher estilizada.

Claes Oldenburg e Coosje Van Bruggen, Spoonbridge e Cherry (1985-1988)

Localizada no Minneapolis Sculpture Garden do Walker Art Center , esta escultura dá um toque artístico a objetos aparentemente comuns. Ao brincar com escala e escolher temas tão simples, Oldenburg e van Bruggen transformam os objetos produzidos em massa em uma obra de arte peculiar.

Keith Haring, Ignorance = Fear(1989)

Keith Haring era um artista americano e ativista social famoso por suas contribuições coloridas à cultura de rua da cidade de Nova York. Ele combinou Pop Art com  grafite, tornando suas obras mais acessíveis para o público.

Keith Haring, Ignorance = Fear (1989)

Uma obra que podemos perceber a abordagem de inspiração e como trabalho Keith Haring é  Ignorance = Fear, um pôster produzido em 1989. Haring projetou e criou este pôster para a AIDS Coalition to Unleash Power (ACT UP), uma organização sediada em Nova York. Ao modernizar o velho mantra de "não ver o mal, não ouvir o mal, não falar mal", comenta Haring sobre os perigos do silêncio durante a epidemia da AIDS. Embora seja um assunto sério, o cartaz é reproduzido em tons vibrantes e uma estética gráfica, comprovando a adaptabilidade e infinitas possibilidades da Pop Art.

Fontes:
My Modern Met
Pop Art History

Caríssimos e caríssimas, está aqui, então, o endereço do formulário pelo qual vocês deverão enviar os trabalhos de vocês.

Espero que tenham se divertido durante a execução desta atividade e que ela tenha sido de muito aprendizado para todos.

Caso queriam saber um pouco mais sobre intervenção urbana, dêem uma olhada nos links abaixo:
Intervenção Urbana.Org
História das artes
Blogoodles
Arch Daily
Papo de Homem


Para acessar o formulário e enviar os trabalhos, clique aqui.

substantivo feminino
1. habilidade ou disposição dirigida para a execução de uma finalidade prática ou teórica, realizada de forma consciente, controlada e racional.

2. conjunto de meios e procedimentos através dos quais é possível a obtenção de finalidades práticas ou a produção de objetos; técnica.

Não é fácil definir o que é arte e, em uma busca rápida pela internet, podemos encontrar facilmente no Google a definição acima. Mas será que a arte se resume a habilidade ou técnica? Venham comigo e entendam mais sobre esse fantástico universo.

Paulo Bruscky - Performance: O Que é arte? Para que serve? em 1978 leva o público a refletir sobre o tema

Uma das melhores definições que encontrei sobre arte foi dada pelo filósofo italiano Luigi Pareyson (1918 - 1991) que nos traz que "a arte é uma linguagem que se reinventa constantemente para construir, conhecer e expressar questões dos seres humanos'.

Podemos, através dessa definição, pensar melhor sobre o conceito de arte. O que temos, logo de cara, é que a arte é considerada uma linguagem e isso muito confunde as pessoas, pois o termo geralmente está associado à linguagem verbal, seja ela falada ou escrita, embora o seu sentido seja muito mais amplo, compreendendo a leitura de uma variedade de outros códigos como gestos, expressões faciais e corporais, símbolos, cores, sons e vários outros elementos

Essa riqueza de possibilidades da arte me permite abandonar o singular o utilizar o termo no plural - ARTES, pois encontramos nessa macro-linguagem outras tantas como a dança, a pintura, o desenho, o teatro, o cinema, a cerâmica, a história em quadrinhos e tantas outras que utilizam de seus próprios códigos.

Mas o que são esses códigos? Para entender melhor segue logo abaixo o conceito bem explicado encontrado no blog "Diário de bordo", escrito pela professora Suzy Nobre.

Os códigos são sinais ou signos convencionados por um grupo de pessoas, uma comunidade ou uma sociedade inteira, que permitem a construção e transmissão de mensagens e seu conseqüente entendimento pelas demais pessoas que conhecem seus significados. Por exemplo: os idiomas são códigos formados por signos (palavras) e leis combinatórias (gramática), por meio dos quais as pessoas se comunicam; se um dos interlocutores não domina o código contido naquele idioma, essa comunicação se torna difícil, ou mesmo impossível. Assim, podemos concluir que quanto maior o domínio que temos de uma determinada linguagem, maior a possibilidade de uma comunicação eficiente.

Já sabemos, então, que a arte é uma linguagem que é feita de outras linguagens cada uma com seus códigos próprios. Vamos agora para um outro ponto interessante na análise de Pareyson, a de que a arte se reinventa constantemente. Este ponto nos permite entender de que a arte não é estática, ela é dinâmica, mutável. E, se ela se transforma para construir, conhecer e expressar questões dos seres humanos, posso ir além e dizer que essa transformação se dá por conta das mudanças sociais, das características do tempo e do espaço.

A arte acompanha as mudanças sociais e tecnológicas. É transformada pela sociedade e é, ao mesmo tempo, agente transformador desta. Novas linguagens artísticas são criadas a todo momento, muitas delas híbridas, juntando duas ou mais linguagens em uma nova. Como é o caso do cinema que, apesar de ter seu próprio código - a linguagem cinematográfica, utiliza de outras como a fotografia, dança, música, etc.

OTM - O Teatro Mágico - mistura diversas linguagens artísticas em seus shows

Uma manifestação artística contemporânea que nos proporciona um espetáculo de encontro de linguagens artísticas é a banda O Teatro Mágico (OTM), que traz em seus shows as linguagens da arte circense, a música, a dança, o teatro e muitos outros aspectos das artes visuais em seus cenários e jogos de luzes. Caso deseje conhecer mais sobre a banda, veja Professor Laert - O Teatro Mágico um artigo sobre deste mesmo blog ou visite o Site oficial - OTM.

Concluindo este artigo trago uma última característica: Arte é uma ação humana.

Essa característica pode até confundir o leitor, pois alguns podem considerar que um quadro, pintado por um macaco ou elefante seja arte. Eu não direi que isso é impossível, mas que a arte, neste caso, não será a obra física em si, mas o conceito apontado pelo artista idealizador da obra. Sendo assim posso afirmar que a arte depende, também, da intenção e do conceito e não apenas da sua execução física, concreta.

Neste artigo, posso resumir que a arte é uma macro-linguagem formada por outras linguagens, não é estática, pois se transforma com a sociedade e é agente transformador da mesma e, dessa forma, são criadas novas linguagens e são ações humanas, não dependendo tão só de uma obra física, mas também do conceito, da intenção e de sua função como arte.

Como visto o conceito de arte é muito abrangente e difícil de explicar. Vocês encontrarão muitas outras definições, algumas coerentes com este texto e muitas outras não tanto. Talvez essa dificuldade em conceituar a arte, faça desse campo algo tão fantástico. Vejam que usei o verbo conceituar, pois se utilizasse o definir tenho certeza de que não seria difícil, mas impossível.

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